De la infancia, de Carlos Carrera

Dirección: Carlos Carrera

País: México

Año: 2009

Duración: 120 min.

Género: Drama.

Actuaciones: Damián Alcázar, Giovanna Zacarías, Ernesto Gómez Cruz

Guion: Carlos Carrera, Silvia Pasternac, Fernando Javier León

Reseña fílmica  por Joaquín Alba https://luzfilmica.wordpress.com/

Cuanto considera usted amigo lector que debe tenerse congelado un concepto para que pierda validez?.. Como usted sabrá la memoria a corto plazo de la sociedad mexicana es casi inexistente presa del ataque mediático para borrar la retención mental

Es así que resulta grato encontrarse con un filme que después de permanecer casi 10 años enlatado y sin estreno debido a cuestiones legales y problemas de distribución (clásico en México).

Sin embargo la validez de los temas que abarca De la infancia  permanece fresca y actualizada ante el avance voraz de la descomposición social de nuestro país y del mundo en general.

Carlos Carrera nos sumerge en una niebla (metaforizando a los nombres de sus protagonistas), una niebla social densa que nos remite a un enfoque lumpen que nos trae recuerdos de Ettore Scola con su Sucios feos y malos de 1976 y que marca de manera contundente la frustración en que caen los intentos de mejora personal de los protagonistas y que se reflejan a nivel macro en la sociedad desposeída mexicana.

Basilio (Damián Alcázar) es el jefe de un núcleo familiar concebido, creado y enfocado a subsistir dentro del bajo crimen de la ciudad, un vulgar ladrón que es igual de mediocre en su baja actividad como en su rol de jefe de una familia claramente disfuncional y devorada por la descomposición social traducida en podredumbre personal ya que su misma esposa Sofía (Giovanna Zacarías) ha caído inmersa en estos patrones de robo, infidelidad y falta de esperanza.

El elemento de reflexión descansa en una infancia todavía con sueños e inquietudes, el hijo mayor de Basilio Francisco (Benny Emmanuel) se abre paso a través los problemas que acosan a la adolescencia como el bulling, violencia intrafamiliar y los vicios, tratando de encontrarle el mejor rostro a la vida a pesar del mal enfoque en que lo tiene proyectado su propio padre, enseñarle el oficio de bandido de poca monta. La inocencia perdida en la juventud desposeída actual se hace presente en un ambiente escolar de secundaria donde los jóvenes se comportan cada día mas como adultos maleados que imitan los comportamientos corrompidos de sus ambientes de desarrollo ya sean el hogar o la escuela terminando ambos núcleos por ser campos de batalla y supervivencia para los jóvenes endurecidos y de una niñez desesperanzada.

Las miradas a los sectores sociales corrompidos de la sociedad como en De la calle (Gerardo Tort, 2001) y Ciudades oscuras (Fernando Sariñana, 2002) se enfocan ahora en la visión infantil que busca de manera creativa encontrar momentos felices y trazos de esa inocencia que les recuerde su edad y necesidad de risas y de amistad, en este aspecto la empatía entre Francisco y su compañero de clase lo lleva a descubrir que existen otras familias, otras casas y otras maneras de vivir aparentemente mejores que la suya y que al final resultan ocultando una cloaca de abuso infantil y de descomposición familiar simplemente un poco mas maquillada y disfrazada de familia feliz.

Como buena realización latinoamericana la cinta lleva una descarga dosificada de realismo fantástico, un fantasma protector de Francisco que lo ayuda en momentos difíciles y que resulta ser un elemento no necesario dentro de los conceptos de la trama pero que resulta como paliativo y descanso al espectador en momentos abrumado por tanta violencia y desesperanza, las visiones imaginativa de los niños con cohetes espaciales que fungen como escapes de sus situaciones más crueles y de los maltratos más acentuados y que, en su imaginación reivindican y perdonan a sus perpetradores (a su padre Basilio principalmente).

El personaje de Alcázar resulta contundente, es su mediocridad, su violencia, sus vicios y maldad ya asimilada lo que detonan el efecto cascada hacia los miembros de su familia y hacia las personas que lo rodean, para el estafar a su equipo trabajo (banda de ladrones), engañar a su mujer (con una amante a la también maltrata de forma salvaje) y encaminar a su hijo al único camino de supervivencia que él conoce que es el del ampa resultan cosas naturales y dignas de ejemplo y que pueden llevarlo en algún momento a mejorar su vida y su nivel económico.

La cinematografía en tonos claros da un realismo y a la vez tensionador a la cinta la cual nos plasma el entorno real reflejado en la película con locaciones y tomas tremendamente urbanas de lo que puede ser cualquier ciudad mexicana lo cual se contrapone con la atmosfera de oscuridad que permanece en las tomas interiores de la casa de la familia de Basilio haciendo una evocación a los ambientes sórdidos retratados en la obra de Ripstein.

La crudeza, la bajeza, la descomposición social de una sociedad adulta que permea ineludiblemente a su descendencia golpea de frente al espectador y por momentos lo saca a flote con destellos de humor imaginativo infantil que lo sumerge y lo saca una y otra vez del tonel de agua de las brujas y que nos hace sonar en la mente constantemente la tonada de Mano Negra: Tu me estás dando mala vida, ya pronto me voy a escapa, por lo menos date cuenta…

Es por De la infancia que el cine es mejor que la vida…

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Whiplash, 2014

Whiplash

Dirección: Damien Chazelle

País: USA

Año: 2014.

Duración: 170 min.

Género: Musical, Drama.

Actuaciones: Miles TellerJ.K. SimmonsMelissa Benoist

Guion: Damien Chazelle

Reseña fílmica  por Joaquín Alba https://luzfilmica.wordpress.com/

La primera vez que escuche al cuarteto de Cracovia fue en la esplendía Stormy Monday de Mike Figgis de 1988 y fue entonces que entendí de lo que se trataba en realidad el Jazz, pero aún más el concepto del free Jazz.

Entendí la innegable verdad de que todo el Jazz es free, es libre por su propia naturaleza y desde su concepción misma, de allí se entiende que cualquier esplendor real en la creación pero más que nada en la interpretación del jazz viene de la perfección que viene del alma… del interior de nosotros ó en la perfección de la improvisación.

Andrew es baterista, no cualquier baterista sino un baterista de jazz que tiene el sueño de ser el mejor no solo del país sino también del mundo, para esto se esfuerza en ganarse un puesto en la banda de jazz del conservatorio más prestigioso de nueva york dirigido por Fletcher quien que se supone el director musical mas rígido y exigente del país.

El rigor de pesadilla mediante el cual el director musical pretende llegar a la excelencia en la ejecución del jazz pone en sufrimiento intenso a Andrew que se esfuerza hasta la sangre por ser reconocido por el nefasto personaje.

Whiplash se ostenta como película norteamericana independiente, lo cual nos haría pensar en alguna propuesta fílmica alejada de los cánones de las producciones americanas desafortunadamente no hay nada mas equivocado. La película parece una cinta musical pero no lo es, en cambio resulta en una expresión más de las recetas gringas del éxito del tipo:  “esfuérzate y ganaras”.

Las películas con temáticas musicales funcionan cuando la mancuerna de música y drama  engranan de manera eficiente, cuando el impacto sonoro y musical encajan con la propuesta dramática que aborda la cinta cerrando así el ciclo nutriente entre ambas expresiones artísticas. En el caso de Whiplash tenemos un drama existencial débil que pretende alcanzar sus picos expresivos con las rabietas, regaños y maltratos, no de un director de orquesta sino de un capataz despótico que intenta meterle el sentido rítmico a un ejecutante con un método casi militar.

La propuesta cognoscitiva de Fletcher es muy simple, si no tienes talento no puedes hacerlo y si lo tienes entonces ensaya, practica dia y noche hasta morir, hasta que domines la técnica y domines su tiempo, no importa si al ejecutante le late el corazón con los platillos, no importa si sonríe con el timbal, no importa si lo excita el tambor… solo importa la técnica y la practica;… usted y yo querido lector que sabemos un poco de jazz hemos entendido toda la vida que este género musical es totalmente lo opuesto a dicha perfección del tecnicismo, el jazz es sentir, sentir y sentir… tanto para el ejecutante como para quienes lo escuchamos (y mucho más para quienes son los grandes arquitectos del jazz… sus arreglistas).

Las alusiones a grandes iconos del jazz es constante a lo largo de la película de manera que nos la pasaremos escuchando citas y hasta anécdotas sobre Charlie Parker, Buddy Rich y Jo Jones, así como suficiente jazz de fondo y encuadre lo que resulta en realidad agradable y da al espectador la sensación de estar en el bar de jazz de su predilección.

La receta holliwoodeana de “dedícate hasta ser el mejor” que en tantas cintas de temas deportivos nos ha bombardeado hasta el cansancio es la directriz del mensaje de Whiplash enmarcado en otra fórmula recurrente del tipo “al maestro con cariño” que nos lleva del odio hacia el personaje de Fletcher hasta sus ridículas caras de admiración y de complacencia que termina dándole a su gran alumno… su gran creación, su baterista de jazz sublimado en la escena final de cinta.

Whiplash no es una cinta de jazz, es una filme sobre el abuso y su aceptación, sobre sacrificios fingidos y sobre lideres estetas que en la vida real ya hubieran sido asesinados, eso sí, las mencionadas formulas de cine norteamericano funcionan perfectamente para el público que resulta la presa de esta cacería comercial, los jóvenes en busca de géneros desconocidos (como lo es el jazz en nuestros días) o los melómanos principiantes quienes terminan con la adrenalina desbordada después de la escena final,  también para quienes buscan motivación para levantarse un lunes o simplemente para los villamelones que “dicen” que les gusta el jazz.

El detalle jocoso de la cinta… una inscripción en la pared de Andrew que dice que si no tienes talento para tocar jazz… terminarás tocando rock.

Es por Whiplash que el cine es mejor que la vida…

Whiplash Official trailer:

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Es duro ser un dios,… Trudno byt’ bogom, 2013

Es duro ser un dios

Hard to be a god

Trudno byt’ bogom, 2013

Dirección: Aleksei German.

País: Rusia.

Año: 2013.

Duración: 170 min.

Género: Ciencia Ficción, Drama.

Actuaciones: Leonid Yarmolnik , Yuri Tsurilo

Guion: Aleksei German, Svetlana Karmalita

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Quiere usted ciencia ficción amigo lector? Quiere quedarse con la boca abierta?.. . y me refiero a la verdadera ciencia ficción de la buena… de la de altos vuelos… de la de obras maestras;  por favor no me remita usted a recuerdos del cine comercial que atiborra el género (vamos, a blade runner ó la compatriota Solaris les queda corto el discurso y el recurso) en comparación con los conceptos vanguardistas, avanzados y propositivos de Aleksei Germán.

El nuevo vuelco de la expresión del cine de arte por parte de Rusia nos regala una obra sui generis, una obra difícil, basta, explicita, una obra difícil de leer, con un argot cinematográfico de aquel que ya no se hacía desde ya muchos años, en  síntesis, una de las pocas obras maestras hechas en el cine contemporáneo de los últimos tiempos  hecha en un tiempo de filmación inverosímil de 14 años pero que nos muestra que resulto esa ser la única manera de poder plasmar en la pantalla de impresionante novela de los hermanos Boris y Arcady Strugatsky de 1964.

Por si fuera poco German no llegaría  a ver concluida su obra ya que muere aproximadamente un año antes de que esta fuera terminada de lo cual se encarga su hijo Aleksei German Jr. Y su esposa y co-guionista Svetlana Karmalita.

Prepárese para sumergirse en una hipnosis hacia los confines de la barbarie del ser humano.

Don Rumata, jefe expedicionario terrícola ubicado en el futuro comanda al grupo de científicos que llegan al planeta Arkanar para estudiar el comportamiento de una sociedad con un desarrollo equivalente al de la más temprana y atrasada edad media de su propia historia. Su consigna es simple, ver, oír y callar,… estudiar y aprender de estos rastros de humanidad y sociedad pero sin poder interferir en su futuro, decisiones ú organización social, o sea observar solamente como un dios viendo a su creación revolcarse en las contradicciones del libre albedrío.

Como causa del fin este líder expedicionario no podrá evitar conmoverse y  tomar iniciativa dentro del panorama de vida de esta sociedad dantesca lo que llevará la cinta a un final inesperado y una serie de conclusiones que cada espectador tendrá que desmenuzar por sí mismo.

Cuantas preguntas asaltarán la cabeza del publico instruido durante el desarrollo de la trama? Cuanto fango mas es necesario para hacernos entender la naturaleza bárbara de nosotros mismos? Cuánta sangre más? Cuando excremento más?… todos estos elementos serán la constante del componente visual y temático a lo largo de la cinta… la humanidad arrastrándose en su muladar viviendo solamente y nada mas

La calidad en la cinematografía, la exagerada claridad de la mezcla de sonido, los tintes, los encuadres, el cambio constante de grano en el celuloide durante  14 años de filmación, los matices de luz y la riqueza de los blanco-negro-sepia nos explican porque tanto tiempo, porque tanta búsqueda de la perfección visual, logando como resultado un esplendor visual que nos pone en donde el director siempre quiso, en un sueño, en un futuro, o en otro planeta.

El discurso antisoviético es más que claro en la cinta así como lo es a lo largo de la obra de German, sin embargo no es una crítica de un solo lado, se trata de una crítica de 360 al grados al darnos a entender que las descabelladas ideas del ser humano provienen de su propia incapacidad ó su propia falta de evolución, de esta manera la critica soviética no es una crítica al socialismo, al contrario nos deja dicho claramente que aunque la humanidad tenga ideas para evolucionar y progresar hacia nuevas doctrinas o formas de vida es su propia naturaleza bárbara y retrograda la que le impide avanzar y que, paradójicamente parece hacerlo caminar en retroceso a ese oscurantismo ignorante presente en las sociedades disfrazado de modernidad. El aniquilamiento de la educación y la cultura y el endiosamiento de la banalidad parecen ser el único objetivo que persigue la sociedad arkaniana la cual en lugar de evolucionar va en un camino de retroceso a un oscurantismo bárbaro y extremista.

A fin de cuentas el grotesco retrato de esta sociedad retrasada resulta más aterrador e impactante visto desde la óptica del protagonista que juega a ser dios… nos estará viendo a nosotros? Somos en realidad unos retrogrados manipulados por falsos dioses que nos mantienen en esta edad media colectiva sin darnos cuenta? Será que por mucho que nos ofrezcan las claves para el desarrollo seguiremos en nuestra ignorancia… o lo que es peor… retrocediendo en nuestra cultura?.

Cuanto más nuestra sociedad se seguirá revolcando en el fango con la conciencia de que podemos evolucionar de alguna manera pero interiormente y por nuestra naturaleza resistiéndonos a hacerlo?

Es por Hard to be a god que el cine es mejor que la vida…

Hard to be a god Official trailer:

Se levanta el viento (Kaze Tachinu)

Se levanta el viento (Kaze Tachinu)

Director: Hayao Miyazaki

Japón, 2013

Nominación al Oscar 2104, mejor película de animación.

Reparto: Hideaki Anno, Hidetoshi Nishijima, Jun Kunimura, Miori Takimoto, Mirai Shida, Morio Kazama, Masahiko Nishimura, Keiko Takeshita

Reseña fílmica  por Joaquín Alba https://luzfilmica.wordpress.com/

Cuantas analogías pueden mostrarse en la pantalla de plata en 100 minutos? Cuantas metáforas nos permite el lenguaje fílmico?, cuantas creaciones de verdadera belleza nos permitió el cinemascope desde su creación hasta su evolución actual?

El maestro Hayao Miyazaki  (El viaje de ChihiroEl castillo ambulante)  no se cansa de mostrarnos que la vida y sus innumerables ciclos se manifiestan en la existencia humana y en las actividades primordiales que la llenan y que le dan sentido.

El anhelo de todo el pueblo japonés de mediados del ciclo veinte queda ejemplificado en Jiro Horikoshi, quien fue nada más y nada menos el diseñador y creador del avión caza de combate mas celebre del que se tenga memoria: el zero japonés.

La cinta va mas allá de la vida ejemplar de un hombre tenaz y valeroso que sufrió todas las caídas del mundo antes de ver su sueño materializado, alcanza a tocar las almas de un pueblo japonés con una necesidad de creación y un hambre de levantamiento que culminan en la metáfora humana de la superación y del continuo renacimiento de las cenizas.

Una obra así, un tema así… pero sobre todo… contado de esa manera… solo podía haber sido hecho por Miyazaki, el viejo maestro de la animación, de los esplendores visuales en la pantalla, de las historias contadas con hilo de nostalgia constante en toda la historia está allí… más vivo que nunca y con madurar fílmico que nos lleva por un sube y baja de emociones a lo largo de la cinta; si bien la conmovedora narrativa de Hayao siempre nos toca las fibras del corazón con un despliegue de personajes entrañables también nos pasea por las más profundas angustias del ser humano y por alegrías súbitas y risas y sonrisas que resultan de las situaciones más sinceras y honestas de la historia, lo mejor de esto es que ha sido una constante durante la obra maravillosa de Miyasaki.

La historia de este ingeniero y diseñador aeronáutico japonés comienza desde su niñez, desde la concepción barroca de armatostes de vuelo inimaginables, desde su admiración infantil al diseñador europeo Caproni, desde el sueño perpetuo del hombre de volar y desde el sueño de un pueblo entero de despegar y volar sobre todo el resto del mundo.

Porque terminar haciendo aviones cuando tu sueño es volar? Por si fuera poco Horikoshi padece de la vista lo cual le impide ser piloto y es lo que lo lleva a hacer lo que lo tenga más cerca de los aviones: diseñarlos;… es quizás esta frustración el inconsciente transportado más sentido y sensible de la obra, es esa misma frustración de un pueblo al haber participado en una guerra inconquistable y que los llevó a sufrir el crimen más grande que se haya perpetuado en la historia por parte del país más imperialista del mundo.

La creación del zero representaba el furor colectivo del pueblo japonés por si mismo ya que era la maquina voladora de combate más perfecta de su tiempo y que termino como único vestigio de orgullo después de la humillación de una derrota de esa naturaleza.

La cinta resulta también un desfile de pequeños recuerdos de sus películas anteriores, pequeñas escenas que evocan momentos de sus anteriores y esplendorosos filmes ya que la cinta está realizada a manera de despedida y de testamento fílmico, la historia que es también un repaso por las pasiones de Miyasaki nos lleva a ese sentido profundamente humano de ver la vida y a esa historia de amor que acompaña la vida del protagonista y que en este caso no sale sobrando sino que balancea de forma sutil los anhelos del hombre .

Yo siempre pensé querido lector que al templo del cine japonés le faltaba una de las columnas que lo sostienen;  representando Kurosawa, Mizoguchi y Ozu los tres pilares existentes y ahora complementados esplendorosamente por Miyasaki los grandes robles que lo soportan están completos

Cuantos hemos construido nuestro zero japonés para volar sobre el mundo?.. cuantos seguimos buscándolo?  Pero sobre todo, cuantos hemos dejado la vida en hacerlo… o en intentarlo?… o cuantos estamos dispuestos a hacerlo,… todavía,… a estas alturas de nuestras vidas…

Es por “Se levanta el viento” que el cine es mejor que la vida…

Se levanta el viento Official trailer:

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Relatos Salvajes

Director: Damián Szifró

Argentina, España, 2014

Nominada en la categoría Mejor película de habla no inglesa en la edición número 87 de los Premios Óscar.

Seleccionada para la Palma de Oro en la principal sección de competición del Festival de Cannes 2014

Reparto: Darío Grandinetti
Rita Cortese
Julieta Zylberberg
Leonardo Sbaraglia
Ricardo Darín
Oscar Martínez
Érica Rivas

Reseña fílmica  por Joaquín Alba https://luzfilmica.wordpress.com/

Relatos Salvajes es, sencillamente la alegoría de la venganza.

Seguramente ha escuchado usted hablar de la “inteligencia emocional” apreciable lector.

Relatos Salvajes me hizo recordar la diversión que me producía este nuevo enfoque hacia el comportamiento de las personas ya que coincido con la opinión intrínseca de la película de que la inteligencia emocional resulta ser únicamente una invitación a auto represión, a la sumisión y a aceptar pasivamente cualquier cosa que nos saque de las casillas.

Las seis historias contadas en el film nos llevan más allá del borde de la cordura… nos llevan simplemente a perderla… y mejor aún a entender porque la perdemos con toda la justificación que siempre quisimos en nuestros momentos coléricos y por si esto fuera poco,  nos lleva al magnífico alivios con nosotros mismos al ser como somos y al descargar toda la barbarie que llevamos escondida dentro después tantos años de supuesta evolución. Nos muestra también la cinta el efecto de este salvajismo contenido como causa real de tener sociedades hipócritas y reprimidas en todas las latitudes del planeta.

Que sentimiento más humano que la rabia? Pero… y si la sublimamos? Que tenemos?…. simplemente… la venganza pura y encarnizada y tomada a puños de los profundo de nuestras entrañas, la propuesta fílmica es… no mas conformidades,… no mas el consejo de Cristo de poner la otra mejilla.

Las situaciones, los personajes, los motivos y las intensidades se muestran crudos pero finalmente sabios al proporcionar al ser humano mezquino e iracundo que todos somos la paz del espíritu por el inigualable medio que solo la venganza puede dar… así visceral, rabiosa y por lo tanto proveedora del enorme clímax que solo la saciedad de la sed de venganza puede producir.

La cinta navega en altibajos por sus seis episodios unidos por este hilo de sangre constante en cada una de las historias llevándolas a situaciones límite y quizás hasta más allá como en el caso de “El más fuerte” donde la paradoja final de la creencia de un crimen pasional da el toque de humor negro a una disputa sangrienta.

El sentido del más puro desquite, de devolver cada golpe aún más fuerte y dañino corre en las líneas narrativas de los cuentos como en el caso de “Ratas” donde el cultivo del odio a lo largo del tiempo y a fuego lento asegura una buena cosecha.

Casos menos consistentes como en “La propuesta” y “Hasta que la muerte nos separe” la primera nos hunde en el mar de corrupción, podredumbre y sobreprotección de las clases privilegiadas sobre la dignidad humana mientras que la segunda cae en la constante ridícula del amor sobre todas las cosas, eso si bien amortiguada sobre la premisa de la posibilidad del regreso del amor únicamente saciada la venganza, el desquite como la curación que dejarla en carne viva el corazón para que pueda volver a amar, eso sí… en su expresión más humana y sincera… la lujuria.

La formula de historias impactantes que giran sobre una línea narrativa constante ha funcionado ya durante décadas por lo que la cinta no tiene una propuesta narrativa como tal apoyándose únicamente en la línea argumental fincada en la capacidad de barbarie de los sentimientos humanos lo que rescata el filme. Las actuaciones disparejas son tal vez entendibles cuando el reto de llevar a tantos actores a momentos expresivos extremos de la cordura es necesario en momentos distintos, la síntesis de la comedia negra con tintes más humanos y salvajes que inhumanos e hipócritas dejan reflexión interesante en el espectador.

Relatos Salvajes Official trailer:

https://www.youtube.com/watch?v=DctshzmKGUw

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Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Director: Alejandro González Iñárritu

Estados Unidos, 2014

Premio Gotham a la Mejor Película, Premio Gotham al Mejor Actor, nominada a premios Golden Globes.

Reparto: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis, Naomi Watts, y Amy Ryan

Reseña fílmica  por Joaquín Alba https://luzfilmica.wordpress.com/

¿De qué tamaño es nuestro ego? y … ¿qué tan demandante es ese ego? ¿puede ser en algún momento más grande que nosotros mismos? ¿puede ser, por si mismo, nuestro motor para crear cosas realmente extraordinarias?

¿Se ha puesto usted a pensar alguna vez querido lector… cuanta necesidad tenemos de ser reconocidos? y no solamente de ser reconocidos, sino reconocidos por algo extraordinario, por algo realmente sobresaliente… en sintesis, que alguien nos diga que somos superiores en algo en algún momento.

Riggan Thomson (Michael Keaton) es un buen actor, lo sabe y lo siente pero no ha conseguido que nadie se lo diga sin asociarlo con Birdman su celebre superhéroe extraído de comics y del cual su saga de películas lo hicieron triunfar por lo que nadie piensa en él sin pensar automáticamente en el personaje. Riggan está harto de esto y decide montar una obra de teatro que pretende que sea trasgresora y mediante la cual sea él mismo el admirado y no Birdman su personaje y que tanto la crítica como el público queden impactados con ella. De ese tamaño es su ego, de ese tamaño es su necesidad de reconocimiento.

El director mexicano Alejandro González Iñárritu (Amores perros, México, 2000), se retrata y refleja en la pantalla su búsqueda propia de este reconocimiento, nos hace sentir el peso de aquella voz interior que muchos hemos tenido restregándonos constantemente el desperdicio de nuestra vida pero que a la vez nos impulsa o nos hace pelear contra ella. Tanto el director del film como el director de la obra de teatro buscan lo mismo y se valen de lo que saben hacer para conseguirlo.

De entrada se le agradece a González Iñarritu el ejercicio fílmico de rodar la cinta en lo que pareciera un largo e interminable plano secuencia y digo que se le agradece porque el estilo narrativo de historias entrecruzadas lo había desgastado hasta el cansancio en las cintas que siguieron a Amores perros, 21 Gramos del  2003 y Babel del 2006 y con las que pretendió hacer una trilogía de reflexión sobre la condición humana y con la cual agotó cualquier gusto que nos pudiera quedar sobre la narrativa de armar rompecabezas. Es cierto que ya había experimentado con la narrativa lineal con Biutiful del 2010 pero sin mucho éxito dándonos una cinta de historias de situaciones límite pero carente de fuerza.

En Birdman dicha narrativa funciona solo parcialmente,  apoyándose fuertemente en el ritmo de la cinta el cual esta dictado por la sucesión de secuencias narrativas enriquecidas por el movimiento de cámaras propositivo de Emmanuel Lubezki que a su vez descansa sobre el diseño sonoro de Martín Hernández  y que durante el transcurso de la historia insertan detalles de ambientación y buen gusto  como la intermitencia a modo de coro griego de los fondos de batería y apariciones súbitas de Antonio Sánchez quien compone la música original y que nos hacen recordar que esta lucha desesperada por los aplausos se lleva a cabo en el mismo Broadway.

Es sin duda alguna la inclusión del equipo Lubezki, Hernández, Sánchez, todos mexicanos, el gran acierto de la propuesta estética de la obra.

La reflexión sobre la creación artística por sí misma es demasiado sencilla ante un universo teatral infestado de esnobismo y materialismo que busca únicamente fantasía y  efectos que mantengan atrapado al espectador estándar, mostrando esto en el momento memorable del dialogo entre Ema Stone y Keaton sobre la ignorante sociedad a la cual va dirigida su obra y que terminará siendo la inesperada virtud que le conceda el tan anhelado triunfo. El trabajo actoral alrededor de la obra resulta ser el mismo que el que se está llevando en la pantalla un trabajo histriónico que resulta de poner al actor y al personaje al filo del límite de su histeria interpretativa, Keaton, Norton y la misma Stone sostienen secuencias completas que nos convencen de creer en su trabajo.

La mirada que la cinta le da a la crítica especializada, ya sea teatral, cinematográfica, literaria o de cualquier índole resulta impactante retratándola como aquel monstruo enorme que no tiene nada que perder y que destroza y devora, los criticos mostrados como artistas frustrados que nunca pudieron ser como quienes critican (cineastas, escritores, actores) pero que si tienen el arma exterminadora que puede derrumbar todos los esfuerzos de un hombre que ha puesto todo hasta financieramente en una obra artística o que pretende serlo.

Al final de la cinta Riggan y Alejandro, siguen allí, siguen en el intento de crear alguna obra maestra que los consagre entre los grandes, no sabemos si puedan lograrlo algún día, Thomson parece haberlo conseguido y vuela de regreso a la comodidad del Birdman que nunca dejo de ser y mientras tanto Iñarritu después de varios filmes inconsistentes ya pudo convertir de manera inesperada toda la ignorancia de Hollywood en una virtud a su favor.

Es por Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia).. que el cine es mejor que la vida.

Birdman Official trailer:

https://www.youtube.com/watch?v=uJfLoE6hanc

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Los Hermanos del Hierro… la crianza de la venganza…

Definitivamente el western es para mí uno de los géneros de cine mas malos jamás creados en la historia de la pantalla. Fuera de contadas excepciones, quedó atrapado desde su más temprano nacimiento en una formula cansada, aburrida y llena de estereotipos. La mancuerna espantosa de Ford – Wayne (los dos John´s) terminó sirviendo como enterradora del genero y únicamente gracias a Leone ó Peckinpah fue que se dieron nuevas concepciones sobre el tema y se puedo enterrar al viejo western más que muerto y ver ideas creativas y nuevas sobre él (el espagueti western es el mejor ejemplo de esto).

Estipulado mi profundo desprecio por el género del western querido lector, he querido utilizarlo como plataforma para hablar de uno de esos garbanzos de a libra de este tipo de cine y que resulta para muchos (incluyéndome) como la mejor obra en este tema, o lo que sería el mejor western de la historia… … y por si todavía no está usted intrigado… déjeme decirle que aparte de todo,.. es mexicano,… y para colmo, realizado por unos de los directores más mediocres pero comercialmente exitoso del cine de nuestro país… y escribo sobre ella por la curiosidad que me produce que durante casi dos décadas de producción de este tipo de cine en Hollywood nunca se logro hacer algo así.

Ismael Rodríguez (si,… el mismo creador del torito, de los tres García y demás expresiones retratistas que nos costaron el concepto en que nos tienen a los mexicanos alrededor del mundo), es sin duda alguna un director transformado…totalmente distinto y con un sentido cinematográfico que le costó alcanzar más de 30 años haciendo cine, es hasta 1961 con la realización de “Los Hermanos del Hierro “ que se nota un verdadero creador.

Obra impactante, impecablemente filmada,  un verdadero thriller psicológico llevado a los terrenos del western, no del western común y clásico… más bien el desolado… el del norte de México, ese desierto ventoso y que parece estar clavado en las almas de la familia del Hierro, los hermanos educados con el única esperanza válida para la familia: la revancha después del asesinato de su padre desde su infancia y el profundo odio que su madre guarda tras este hecho los hace unos seres preparados, destinados a propinar la muerte de aquel agresor de su padre aunque en la búsqueda de él los muertos sean muchos más, esto gracias al hermano menor un psicópata, esquizofrénico con personalidades múltiples que lo hacen simplemente el asesino perfecto, el asesino en serie sin sentimientos ni escrúpulos adecuado para un norte de México igual de crudo y salvaje. El desafío amoroso entre hermanos por la misma joven (Patricia Conde en su debut) acentúa el velo de tragedia que acompaña a la película durante toda su narrativa impecable adornada con secuencias tan coherentes que nos hacen sentir la combinación de odio, desolación, pasiones y alucinación mental que los personajes presentan. De la misma forma en que esta resulta sin lugar a duda la única obra de gran vuelo de Rodríguez, representa también el mejor rol de Julio Alemán enmarcado en un desfile remarcable de estrellas de la pantalla mostrando un reparto espectacular (Aguilar, Armendariz, Dominguez, Reynoso,  Lopez Tarso, Silva, el indio) en el cual todos estos actores toman con la seriedad necesaria los conceptos enfermizos por los que se mueve la trama que culmina en lo que la madre de esta familia rota siempre quiso… una oda total a la venganza… pura, ardiente y sin remordimiento alguno.

Por su parte Rosalío Solano nos brinda uno de sus mejores trabajos rompiendo con dos concepciones importantes en la forma en que fotografiaba el cine demostrándonos que los cielos de nubes casi poéticos (Figueroa) y los encuadres cerrados centrados en los personajes (Stahl) ya no eran necesarios cuando la luz era reflejada en el piso tanto en tomas cerradas como en las paisajistas resaltando así todo lo enfocado a los reflejos de la luz.

Más allá del western, más allá de la película de caballos y pistolas tenemos un drama psicológico honesto y preocupante, pero todavía más allá tenemos el mejor ejemplo de todos los sentimientos negros que han servido para la creación del mundo y la humanidad, la cinta nos lo recuerda… nos lo remarca… esta vida, este mundo y esta sociedad han crecido y se han desarrollado en base y gracias a la fuerza de los sentimientos humanos… pero gracias a los sentimientos malos del ser humano, el odio, la lujuria, la codicia… y claro… su majestad la venganza…

Es por  “Los hermanos del Hierro” y por muchas otras que… el cine el mejor que la vida…

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